Выставки Главного здания Музея изобразительных искусств

График работы:
ср–вс 11:00–19:00, касса до 18:30
понедельник, вторник — выходные
Действующие выставки:
Три столицы. Авторское ювелирное искусство 1970–1990-х. 30 августа 2025 — март 2026
Легенды камня. 4 декабря 2025 — 19 апреля 2026
Шедевр императорской Екатеринбургской гранильной фабрики. 4 декабря 2025 — 9 марта 2026
Два авангарда. 21 Февраля — 17 Мая 2026
Над авангардом. 21 Февраля — 17 Мая 2026
Три столицы. Авторское ювелирное искусство 1970–1990-х
Авторское ювелирное искусство 1970–1990-х — временная выставка, вторая часть экспозиции «Камнерезное искусство Урала», посвящена творчеству художников-ювелиров периода активного развития и расцвета региональных школ. Именно в это время в авторском ювелирном искусстве отчетливо проявились художественные принципы нескольких центров. Среди них наиболее ярко проявили себя представители Москвы, Ленинграда/Санкт-Петербурга и Свердловска/Екатеринбурга. Этим школам, трем ювелирным столицам, и посвящена выставка. В каждом из городов, при общности развития авторского ювелирного искусства на начальном этапе, за несколько десятилетий проявились уникальные особенности.
Московская школа на раннем этапе была тесно связана с традициями русского ювелирного искусства. Этому способствовали как собственные традиции древней столицы, так и ее окружения — исторические промысловые центры вокруг Москвы, в частности, села Красное и Палех.
Для художников-ювелиров Ленинграда и Свердловска важное значение сыграла традиция обработки цветного камня на придворных мануфактурах — Петергофской и Екатеринбургской гранильных фабриках. В XX веке трест «Русские самоцветы», объединивший императорские предприятия, обусловил тягу ювелиров к включению в произведения больших вставок цветного камня и самоцветов.
Легенды камня
К 300-летию камнерезного искусства Урала и 15-летию собрания Фонда семьи Шмотьевых.
Екатеринбургский музей изобразительных искусств и Фонд поддержки искусства и культуры семьи Шмотьевых представляют новый выставочный проект. Экспозиция, расположенная в центральном зале главного здания музея, приурочена сразу к двум юбилейным датам в истории художественной обработки цветного камня на Урале, которые приходятся на 2026 год.
Одна из них — 300-летие камнерезного искусства Урала, детища петровского времени. Первая мастерская по созданию декоративных предметов из цветного камня заработала в Екатеринбурге в 1726 году, ознаменовав появление знакового для Урала вида художественной промышленности, являющегося частью региональной идентичности и сегодня.
Другая дата — 15 лет собранию Фонда семьи Шмотьевых, самой крупной коллекции произведений современных уральских художников-камнерезов. Она развивается благодаря начавшемуся со счастливой встречи увлеченному сотрудничеству Сергея Федоровича Шмотьева с наиболее крупными мастерскими Екатеринбурга. Представленные на выставке работы созданы Студией камнерезного искусства «Святогор» (руководитель — Иван Голубев), Камнерезным домом Алексея Антонова, Академией камнерезного искусства Григория Пономарева.
Популяризацией семейной коллекции в России и за ее пределами уже 12 лет занимается Александр Сергеевич Шмотьев. Стремление коллекционеров не только собирать работы камнерезов, но и знакомить публику с предметами, рассказывать об их создателях — наших современниках стало основой появления Фонда.
Постоянные посетители музея могут вспомнить выставку «Герои» 2018 года, на которой были представлены 25 работ из этой коллекции. В этот раз проект существенно масштабнее: зрителя ждет знакомство с почти 60 предметами, созданными в 2011–2025 годах. Работа над одним из произведений — комплектом шахмат — еще продолжается.
Среди экспонируемых предметов — как уже знакомые зрителю, так и еще нигде не демонстрировавшиеся. Особенностью нынешнего проекта стало включение в него как композиций, созданных на сюжеты русских сказок или посвященных героям русской истории, так и впервые показываемых в Екатеринбурге работ, связанных с античной мифологией и литературными образами.
Большая часть демонстрируемых предметов создана в технике объемной мозаики: большие фигуры составлены из тщательно подобранных по цвету и рисунку и аккуратно подогнанных друг к другу каменных фрагментов. Также зритель познакомится с монокаменными произведениями — скульптурами из одного-трех блоков камня, художественный образ которых построен на природных особенностях материала. Здесь можно увидеть и камейную резьбу по кремню или кварцу, работы из крупных кристаллов и уникальные букеты, собранные из почти не тронутых резцом минералогических образцов.
Проект «Легенды камня» знакомит зрителя с наиболее актуальными направлениями камнерезного искусства современного Урала через произведения, созданные и ставшие доступными для публики благодаря деятельности уральских меценатов.
Шедевр императорской Екатеринбургской гранильной фабрики
Деятельность Екатеринбургской гранильной фабрики в значительной степени определялась заказами императорского двора, из Петербурга получали проекты предметов, в столицу отправляли готовые произведения. Это закономерно обусловило высокую концентрацию камнерезных предметов в императорских резиденциях, а позднее — в собрании Государственного Эрмитажа.
На выставке представлены работы, иллюстрирующие два основных направления в работе Екатеринбургской фабрики, появившихся в екатерининское время, когда увлечения императрицы существенно влияли на векторы развития отечественной художественной промышленности.
Свидетельством расширения палитры цветного камня в работах уральских камнерезов, начавшегося с создания в Екатеринбурге в 1765 году Экспедиции по прииску и ломке цветного камня, может служить ваза шаровидной формы из светло-коричневой брекчии с палевыми пятнами. Форма предмета восходит к сохранившемуся в архиве фабрики чертежу 1797 года, окончанием работ считается 1801 год. Необходимо отметить, что обращение Екатеринбургской фабрики к брекчиям связано с единичными предметами этого времени и в дальнейшем этот материал не использовался.
Не менее значимым для развития уральского камнерезного искусства стал интерес Екатерины II к глиптике — искусству рельефной и углубленной резьбы на полудрагоценных и драгоценных камнях. Не ограничиваясь приобретением европейских коллекций, государыня желала иметь в своем собрании русские геммы и способствовала развитию глиптики в России. В связи с этим весной 1781 года был издан указ о начале поисков слоистых камней, на которых было бы возможно резать камеи.
Первые упоминания о создании камей — рельефных изображений на камнях с контрастной окраской слоев — на Екатеринбургской гранильной фабрике относятся к 1790-м годам. С этого времени и на следующие полстолетия «камейное художество» становится постоянной частью деятельности мастеров предприятия, а с середины XIX века проникает и в частные мастерские города.
Из почти 250 уральский камей, хранящихся сегодня в Государственном Эрмитаже, для выставки выбраны семь. Хронология их создания охватывает весь период камейной деятельности в Екатеринбурге — с конца XVIII до середины XIX века. Работы гранильной фабрики выполнены в большинстве своем из уральских яшм, лишь одна — из агата, их сюжеты (боги античного пантеона, египетский сфинкс) характерны для искусства первой половины столетия. Единственный пример частного производства — созданная в екатеринбургской мастерской А. Кочнева камея с изображением Богоматери — могла являться панагией уральского священника.
Два авангарда
Беспредметное искусство из собрания Екатеринбургского музея изобразительных искусств и коллекции Антона Козлова.
Выставка «Два авангарда» объединит произведения пионеров абстрактного искусства 1910–1920-х годов из собрания ЕМИИ с работами неофициальных советских художников 1950–1980-х из коллекции Антона Козлова. Проект исследует преемственность между основными течениями русского авангарда и практикой художников советского неофициального искусства, которые, обращаясь к беспредметности, находили в наследии своих предшественников важнейший импульс для развития собственных творческих систем.
Для обозначения советского неофициального искусства часто используется термин «второй русский авангард», предложенный художником Михаилом Гробманом. Выбор этого определения был призван подчеркнуть стремление художников его поколения возродить прерванную в 1930-е годы связь с «классическим русским авангардом» 1910–1920-х годов и утвердить право на закономерное развитие его идей в новой исторической реальности.
Начало тридцатилетней истории «второго авангарда» совпало с периодом «оттепели» — временем относительной свободы и интеллектуального подъема, которое предоставило художникам возможность практически одномоментного обращения к целому спектру ранее недоступных художественных традиций. Многие из тех, чье творческое становление пришлось на рубеж 1950–1960-х годов, получили возможность увидеть произведения художников-авангардистов в запасниках Третьяковской галереи или в собрании легендарного коллекционера Георгия Костаки. Особое значение для художников имело и личное общение с мастерами авангарда. Знакомство молодых художников с наследием авангарда совпало с открытием актуальных направлений западного искусства благодаря прошедшим в Москве VI Всемирному фестивалю молодежи и студентов (1957), Американской (1959) и Французской (1961) национальным выставкам, на которых в Советском Союзе впервые были показаны произведения современных западных абстракционистов.
Ни одна из открывшихся художникам в период «оттепели» форм работы с беспредметностью не была воспринята ими как готовая система. Напротив, неофициальное искусство 1950–1970-х годов демонстрирует многообразие авторских траекторий, для которых абстракция стала отправной точкой движения в сторону от реалистического метода.
Визуальное, непосредственное соприкосновение в одном выставочном пространстве живописи русских новаторов начала XX века и советского андеграунда стало возможным благодаря уникальному ресурсу Екатеринбургского музея изобразительных искусств — представительной коллекции авангарда, в том числе произведений таких первооткрывателей беспредметного искусства, как Кандинский, Малевич, Родченко и других.
В первом разделе выставки произведения классиков авангарда вступают в прямой диалог с работами их последователей из собрания музея и коллекции Антона Козлова. На стене одного из экспозиционных залов рядом с живописной абстракцией Василия Кандинского «Серый овал» можно увидеть картины Элия Белютина и Бориса Турецкого.
На другой стене центром экспозиции являются кубофутуристические работы Надежды Удальцовой, Натана Певзнера, Петра Соколова и их наследников — Игоря Шелковского и Алексея Константинова. Рядом с супрематическими картинами Казимира Малевича, Ольги Розановой, Веры Пестель и беспредметными — Александра Родченко, Сергея Сенькина, Эль Лисицкого размещены работы Эдуарда Штейнберга, Бориса Турецкого, Михаила Гробмана.
Следующие разделы выставки посвящены внутренней эволюции абстрактного языка в неофициальном искусстве, демонстрируя его как гибкий инструментарий, которым свободно пользовались авторы самых разных творческих установок и направлений.
Творчество основоположников советской послевоенной абстракции представлено графическими и живописными произведениями Бориса Турецкого конца 1950-х годов, программной серией Юрия Злотникова «Сигнальная система», а также живописными опытами абстрактного экспрессионизма Льва Кропивницкого, Лидии Мастерковой и Элия Белютина.
Локальный вариант кинетизма, получившего развитие в Советском Союзе в начале 1960-х благодаря художникам группы «Движение», демонстрируют геометрические абстракции Франциско Инфанте, Льва Нусберга, Александра Григорьева и Риммы Заневской-Сапгир, а также «самонапряженные конструкции» художника и изобретателя Вячеслава Колейчука, ставшие результатом исследования практики конструктивистского формообразования.
В произведениях Эдуарда Штейнберга, Марлена Шпиндлера и Владимира Янкилевского формальный арсенал авангарда, соединяясь с авторской системой знаков и символов, становится средством трансляции метафизического опыта художника.
Для московских концептуалистов Ивана Чуйкова, Виктора Пивоварова, Валерия Герловина, Ирины Наховой, Игоря Шелковского обращение к языку абстрактного искусства стало способом расширить привычные рамки и исследовать границы различных видов и жанров искусства, открывая путь к многообразию современных художественных практик.
Выставка включает свыше ста произведений живописи, графики, объектов и фотографии мастеров авангарда и неофициального советского искусства.
Искусство авангарда: Лев Жегин, Василий Кандинский, Лазарь Лисицкий, Казимир Малевич, Натан Певзнер, Вера Пестель, Любовь Попова, Александр Родченко, Ольга Розанова, Сергей Сенькин, Петр Соколов, Надежда Удальцова.
Неофициальное искусство конца 1950–1980-х годов: Элий Белютин, Фарид Богдалов, Валерий Герловин, Александр Григорьев, Михаил Гробман, Михаил Дорохов, Римма Заневская-Сапгир, Юрий Злотников, Франциско Инфанте, Ирина Нахова, Лев Нусберг, Алексей Константинов, Вячеслав Колейчук, Лев Кропивницкий, Лидия Мастеркова, Борис Отаров, Виктор Пивоваров, Михаил Рогинский, Борис Турецкий, Иван Чуйков, Марлен Шпиндлер, Сергей Шаблавин, Игорь Шелковский, Эдуард Штейнберг, Андрей Эндер, Владимир Янкилевский.
Над авангардом
Избранные произведения современного искусства из коллекции Антона Козлова.
Специальный проект «Над авангардом» представит произведения современных российских художников 2000–2020-х из коллекции Антона Козлова, обращающихся в своей практике к исследованию возможностей абстрактного искусства. Проект продолжает начатый на выставке «Два авангарда» диалог между художниками разных поколений, демонстрируя абстрактное искусство как феномен, глубоко укоренившийся в ткань современной культуры.
Произведения современных авторов не только напрямую обращаются к наследию авангарда — революционному эксперименту, изменившему мировое искусство, — но и переосмысливают сложный опыт художников-нонконформистов 1960–1980-х годов в их отношениях с этой традицией, который охватывает весь спектр трактовок — от восприятия авангарда как интеллектуального прорыва до его иронической деконструкции.
Для современных художников язык беспредметности становится универсальным исследовательским инструментом, позволяющим вскрывать внутренние механизмы искусства и одновременно служить средством критического осмысления социально-политических и культурных процессов.
В рамках специального выставочного проекта будут представлены живопись, графика, фотография и объекты 2000–2020-х годов художников Анны Желудь, Петра Кирюши, Владимира Логутова, группы «МишМаш», Давида Тер-Оганьяна, Пахома, Романа Сакина и группы «Синие носы».
Группа «Синие носы» в своей программной серии «Кухонный супрематизм» использует язык абстракции как инструмент критики коммерциализации искусства и превращения авангарда в поп-культурный феномен.
Давид Тер-Оганьян образность авангарда соединяет со злободневными сюжетами, заставляя зрителя рефлексировать на тему тех социально-политических отношений, в которые он включен.
Роман Сакин в своих объектах из серии «Управляемая скульптура» разоблачает сакральность авангарда через снижение пафоса и демифологизацию самого процесса абстрактного формообразования, предъявляя его как доступную систему знаков, готовую к бесконечному воспроизведению и переконфигурации.
Петр Кирюша и Анна Желудь обращаются к абстракции как к форме поиска метафизической сущности обыденного, разбирая образы реальности на первоформы.
Владимир Логутов и художники группы «МишМаш» Михаил Лейкин и Мария Сумнина исследуют возможности геометрической абстракции как инструмента изучения механизмов зрительского восприятия. В серии «Встречи» Владимир Логутов использует эмоциональный потенциал основных средств художественной выразительности — цвета, света и пространства, которые формирует неповторимый опыт взаимодействия зрителя с произведением искусства.
Дуэт «МишМаш» в масштабном проекте «Геопсихоизометрическая экспертиза городов» переводит изображения фрагментов городских пространств на язык геометрии, создавая подобие визуального каталога, где повторяющиеся мотивы среды получают статус универсальных форм.
Коллекция Антона Козлова (Москва): частное собрание неофициального советского и современного российского искусства, формирование которого началось весной 2019 года. На данный момент коллекция насчитывает более 1000 произведений порядка ста художников, охватывая период с 1957 года по настоящее время. Структура коллекции соответствует ключевым направлениям искусства послевоенного периода: абстракция, кинетическое искусство и оп-арт, метафизическое искусство, московский концептуализм, соц-арт, а также направления современного российского искусства.
Коллекционер ведет активную просветительскую работу: в 2023 году Антон Козлов запустил YouTube-проект «Пока все дома у Антона», в 2024 году стартовала собственная выставочная программа коллекции, в рамках которой состоялись показ тотальной инсталляции Романа Сакина «Афинская школа» в индустриальном кластере «Октава» в Туле и Центре городской культуры в Перми, выставки «Двадцать один длинный, один короткий» в арт-галерее Ельцин Центра в Екатеринбурге, «Расположение картин зависит от вкуса» в Мультимедиа Арт Музее в Москве, «Создать пару: Алина Глазун и Петр Кирюша» в Синара Центре в Екатеринбурге, а также специальные выставочные проекты «Александр Гронский. Фотограф. Живет и работает в Москве» и «Петр Кирюша. Воображаемая реконструкция выставки» в рамках некоммерческой программы ярмарки «Контур» в Нижнем Новгороде.